Vittoria Gerardi

La passion pour la photo remonte à mon enfance, puisque ce médium à le pouvoir de transformer l’apparence réelle d’éléments en quelque chose de différent. Il s’agit d’une réalité liée à une illusion, voire à un souvenir qui, dans le moment présent, devient quelque chose d’autre.

Ce que je voudrais véhiculer à travers mon travail c’est l’expérience d’un lieu ou d’un paysage, l’expérience intérieure de méditation qu’une personne peut vivre en regardant une photo.

Une expérience très importante a été pour moi un voyage dans le désert de l’Arizona dans le cadre d’un voyage aux Etats-Unis. Le désert en tant que paysage devient un sujet qui touche autant le plan physique que psychologique : ce qui compte n’est plus le paysage mais plutôt les ses caractéristiques même qui se reflètent dans l’expérience humaine.

En tant qu’italienne et européenne, les U.S.A. constituent une réalité à laquelle je ne suis pas habituée, et qui a produit une confrontation culturelle avec un contexte très différent de mes origines. Mais le désert m’a transporté à l’extérieur de mon contexte culturel et social, ce qui a engendré une confrontation beaucoup plus forte et intérieure avec moi-même.

Elle naît de la recherche de l’universel, c’est une forme d’intériorisation parce que je crois qu’un individu peut atteindre l’universel seulement à travers l’expérience intérieure. Le désert représente un espace limité, d’où le nom de mon projet – Confine (Frontière) – qui se relie à cette idée de limite en tant qu’horizon des choses. Il s’agit donc d’une recherche universelle visant à représenter les limites humaines comme un élément qui nous rapproche tous en tant qu’être humain et qui peut alternativement devenir un obstacle et nous diviser, ou comme une sorte d’extension qui peut nous amener plus loin.

Je pense qu’il y a beaucoup d’expérimentation, au sein d’une photo contemporaine qui se veut conceptuelle et axée sur la recherche esthétique d’un équilibre. La photo esthétique a pour moi beaucoup de valeur : nous pouvons réellement transmettre quelque chose seulement à travers un équilibre esthétique des éléments d’une œuvre. Dans le processus créatif, il y a toujours une recherche d’équilibre entre l’idée qui est à l’origine du projet et la forme dans laquelle il se concrétise. C’est pourquoi, pour moi, le facteur esthétique est un incontournable élément de beauté en tant que vertu.

Pour moi, la photo est une forme d’art puisque sur le plan strictement matériel, le processus créatif n’est pas différent de celui qui est à l’origine d’un tableau ou d’une sculpture. Puisque je travaille en argentique, la composante artistique de mon travail réside dans le processus de développement du papier photosensible et dans l’interaction que je peux obtenir par le biais d’éléments tels que la lumière et le temps.

Il s’agit d’un processus situé à l’intérieur et non pas d’un point d’arrivé. Je voudrais qu’en observant mon travail, le spectateur puisse s’identifier dans cette sorte d’arrivée/résultat sans y percevoir quelque chose de spécifique qui le concerne. J’aimerais que dans mes tirages nous puissions retrouver la caractéristique fondamentale de la condition humaine : la relation avec le temps, avec l’espace et avec la limite en tant qu’élément fondamental et incontournable de l’homme.

Mon travail n’a pas pour but d’être social, ni politique et de façon plus général, il ne s’identifie pas à des situations spécifiques et temporaires. Il vise plutôt la situation individuelle de l’homme, et se situe sur un plan ontologique.

Ma photographe préférée est Alyson Rossiter, une photographe canadienne qui a collectionnée des papiers photographiques périmés datant de la fin du XIXème jusqu’à la fin du XXème siècle. Ces papiers ont déjà été utilisés par d’autres photographes, elle a utilisé un processus chimique pour sortir les différentes caractéristiques de chacun pour réaliser des compositions abstraites qui, dans sa vision, représentent l’enregistrement du temps dans le papier. Elle définit son travail comme une création du temps et je trouve sa production très intense.

Mes artistes préférés sont Anselm Kiefer et Mark Rothko. Ce que je trouve très intéressant chez Kiefer, c’est qu’il se rapporte très profondément au matériel (objet de son intervention) qui, dans sa vision, contient une sorte d’esprit qu’il est, en tant qu’artiste, censé sortir de son boîtier. Lors d’une interview, Kiefer a affirmé qu’il ne commanditerait jamais l’une de ses œuvres d’art puisque personne d’autre que lui serait en mesure de sortir cet esprit, ce qui contraste avec certains artistes contemporains qui n’ont que l’idée mais ne s’occupent jamais de la réalisation de l’œuvre. Je vois cela comme une sorte d’industrialisation commerciale de l’art.

J’aime Rothko car son langage est universel, il transpose dans ses toiles la condition, le drame, la tragédie humaine. Dans ses œuvres, il n’y a aucune présence humaine, il ne s’agit que d’un équilibrage entre la forme et la couleur. Et trouver cet équilibre constituait pour lui la représentation du sublime, de l’universel : celui qui observe ses œuvres peut se miroiter dans cette condition, tout en y repérant quelque chose qui porte sur l’être humain.

Je pense que la photographie est importante parce qu’elle est accessible et démocratique ; il ne s’agit pas d’un art élitaire réservé à une minorité. Et cette accessibilité permet à ceux qui l’utilisent de façon créative et artistique d’atteindre une confrontation plus difficile, voir conflictuelle.

Mon prochain projet concerne Pompéi. Je veux intervenir de façon sculpturale en utilisant le plâtre qui a été utilisé dans le processus de préservation de la ville. Dans le processus d’enregistrement argentique de la ville, je vais voiler mes photos avec le plâtre afin de recréer cette sorte de suspension et dimension atemporelle qui connote la ville de Pompéi.