Brecht Evens 

Une déconstruction nécessaire faite d’expérimentations au fil des années, et une manière pour moi de faire la bande dessinée que je souhaitais mais en passant par des études d’art et d’illustration pour explorer, éprouver mon dessin et mon style. Je maîtrisais les codes de la bande dessinée, c’est vrai, il me fallait simplement chercher ailleurs. J’ai pu réunir en dernière année l’ensemble de mes expériences qui, prises isolément, ne me représentaient pas – mais qui, une fois compilées et réunies, révélaient mes aspirations. J’ai ainsi pu structurer tout cela et les proposer dans mon projet de fin d’études qui est devenu le roman graphique Les Noceurs. Il s’agissait de mon premier livre, paru aux éditions Actes Sud. (Prix de l’Audace au Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême.) Saint Luc c’était cette effervescence et des talents, d’autres artistes pour accompagner ces recherches avec constamment des résonances. 

Tu es bien informé, je souhaitais rappeler combien Goele Dewanckel, professeure à l’Institut Saint Luc avait compté. (Elle est d’ailleurs de passage à Paris, je la vois ce soir.) Et Lotte Wandewalle qui a été une réelle inspiration pour moi. Il y avait aussi les travaux de Sarah Zeebroek, Brecht Vandebroucke, Hannelore Van Dijk… 

George Grosz a été déclencheur. Il m’avait mis sur le chemin pour comprendre l’art moderne, mais enfant, je feuilletais les livres de mes parents et c’est dans Ecce Homo un de ses ouvrages que j’ai pu voir comment dessiner la ville. En observant ces distorsions, j’ai pu expérimenter, défragmenter, échapper à la perspective, permettre aux personnages de se mouvoir dans ces espaces. J’ai pu ensuite observer les mêmes mécanismes chez d’autres peintres notamment Giotto. Les perspectives sont là mais il y a comme un jeu, une manière de déformer le réel pour le rendre encore plus significatif. Apparaît une tour, un étage plus haut qu’un autre, souvent le premier plan au niveau du sol occupe la moitié de l’oeuvre. Ainsi par un autre biais, par une déformation volontaire, la charge symbolique est révélée. L’expérience devient lisible. Une manière d’exprimer une vraie expérience sans que ce soit photographiquement réaliste parce que ça ne rendrait pas justement cette expérience. 

En effet, dans Les Noceurs et notamment dans Les Rigoles c’était très explicite. Mais c’est tout de même étrange que tu en parles car dans mon prochain livre ce thème orphique prend toute sa dimension. Mais je ne veux pas en révéler davantage. 

Pour ce qui est de la genèse de ce projet, il me reste une centaine de planches à réaliser. Il y a des lithographies qui sont exposées à l’atelier de Michael Woolworth jusqu’en mars. Ce projet est né d’une rencontre avec un petit paragraphe trouvé dans un de mes carnets de 2012, qui traitait comme un devoir d’école où un enfant se doit de décrire l’été qu’il vient de passer, entre ce qu’il vient de vivre ou ce qu’il a fantasmé : un mélange de choses réalistes et de choses impossibles, rêvées, impossible à croire. Et puis à une période de ma vie lorsque j’habitais dans le 10ème arrondissement, j’ai aussi eu une expérience qui m’a marqué, une forme de paranoïa assez positive, comme si le monde entier était obsédé par moi. Cela m’a donné une forme d’importance sans jamais me prendre au sérieux, j’ai pu faire un pas de côté. Du coup, cet enfant qui raconte, qui se raconte, affabule entre réel et imaginaire, ça me parle. 

Ça m’offre une réelle liberté et sécurise un aspect : celui que je peux vivre d’autre chose que de la vente de mes ouvrages. Seulement raconter des histoires dans les livres, c’est ce qu’il y a de plus difficile et ce qu’il y a de plus stimulant. Je reste un auteur. La bande dessinée est un terrain d’expérimentations qui n’a pas encore tout révélé. Je n’ai pas de carnet graphique comme Lorenzo Mattotti sous la main par exemple, en revanche j’ai des carnets de notes en permanence qui se remplissent. En tant qu’auteur autant qu’artiste, je dois me réinventer sans cesse, le neuvième art permet de se renouveler au-delà du thème d’une série ou d’une exposition. 

Pour l’heure, mon atelier est sur les hauteurs de Paris mais je souhaiterais vivre l’expérience d’un atelier partagé, sentir le sentiment d’aller «au travail». Lorsque je me rends à l’atelier de Michael Woolworth pour travailler les lithographies, j’aime cette énergie, comme une famille. Michael est la constance depuis toutes ces années, les stagiaires de passage, les lithographes qui s’appliquent sur les pierres. 

Je travaille sur mes originaux mais passer par la lithographie permet de donner du contraste pour certaines scènes où c’est nécessaire à mon récit. J’y ai eu recours sur certaines planches de mes différents ouvrages et celui sur lequel je travaille en ce moment car ces caractéristiques du rendu de la couleur servent à certains moments du scénario. Les effets des scènes sous l’eau sont par exemple exacerbés. 

Avancer sur mon prochain ouvrage, je pense que le titre sera le « Roi Méduse » et garder cette envie que me procure la bande dessinée, sa capacité à me surprendre moi-même avec les visions qui vont avec.