Adelina Von Fürstenberg

C’est une vieille histoire. Quand j’étais enfant, j’ai vu à la télé l’émission « Lascia o raddoppia » [un jeu télévisé conduit par Mike Bongiorno, qui a marqué l’histoire des émissions de ce genre en Italie, N.d.R.] et parmi les concurrents, il y avait John Cage. Tout en sachant qu’il était compositeur, Mike Bongiorno lui a demandé de jouer une pièce. Cage s’est assis derrière le piano et n’a pas joué, il s’agissait de « Silent piece ». Cet épisode m’avait énormément frappé car cela me montrait qu’il y avait un autre monde. Plusieurs années après, quand j’ai travaillé avec Cage, il m’a dit qu’il avait participé à l’émission car à ce moment-là, il faisait un spectacle à Florence avec Robert Rauschenberg et Merce Cunningham et ils avaient besoin d’argent. C’est là d’où vient mon intérêt pour l’art, celui qui ouvre des horizons, permettant non seulementde voir le monde autrement mais aussi de se réunir.

Les droits de l’homme mais pas d’une manière stricte. Par expérience, je me suis toujours rendue compte que chaque œuvre d’art a une raison d’être qui est liée à l’homme et à l’humanisme. J’ai creusé ce sujet et j’ai vu qu’en réalité les droits de l’homme et les œuvres d’art ont beaucoup de choses en commun. Donc je peux lire les œuvres d’art à travers ceux-ci. C’est pour cela que je défends les valeurs universelles à travers l’art.

Je crois que toutes les expériences, les bonnes comme les mauvaises, sont bénéfiques à toutes les formes de l’art. Chacun de nous fait ses expériences personnelles. Si en plus nous avons la chance d’avoir un imaginaire qui nous projette plus loin, chacune d’elle nous enrichit et nous permet de créer. Je pense que les expériences sont primordiales pour la création de n’importe quel projet artistique. C’est pourquoi, si nous n’avons pas d’expérience, nous ne pouvons pas faire de l’art. Toutefois, l’expérience n’est pas reliée à l’âge, même à vingt ans nous pouvons en avoir. Je parle de l’expérience dont parlait Walter Benjamin [philosophe et écrivain allemand du début du XXe siècle, N.d.R].

Je ne pense rien de l’art contemporain, il m’attriste beaucoup, j’en suis même souvent déprimée. Mais je ne suis pas la seule, tout le monde exprime la même émotion à cet égard. Je crois en l’artiste contemporain en revanche, je ne crois plus en l’art contemporain, il n’y a plus de place. Maintenant, nous ne voyons plus cela comme de l’art mais comme de la décoration, des moyens pour faire de l’argent. Souvent, à cause de mon travail, je me retrouve dans des réunions avec des gens qui sont dans des comités mais ils n’y comprennent absolument rien. Ils voudraient rencontrer des banquiers pour qu’ils les aident. Il est vrai que certaines banques dépensent beaucoup mais elles n’achètent pas bien. C’est-à-dire que maintenant, nous dépensons pour l’art mais cela ne signifie pas « acheter de l’art ». Cet excès d’argent est très mauvais pour le monde de l’art.

La globalisation a joué un rôle majeur dans ce cadre. En effet, il y a eu des artistes extraordinaires partout. La globalisation n’a pas spécialement mis en avant l’art des artistes non européens, mais elle a provoqué une coulée d’argent de ces pays vers l’occident. Les Chinois, les Russes et plein d’autres pays ont amené de l’argent en Europe, ils se sont occidentalisés, et en outre, ont perdu leur propre culture. Les pays arabes, par exemple, ne peuvent pas s’intéresser à l’art de la même façon que nous car leur culture est iconoclaste. Cela fait que le marché de l’art s’est réduit à du business : c’est l’excès d’argent qui a pourri le milieu parce que les banques conseillent à leurs clients d’investir dans de l’art tranquille, facile, décoratif. Par exemple, aujourd’hui, personne parmi ces investisseurs n’achèterait des œuvres de Bacon car il est trop dérangeant.

Pas vraiment. En tant qu’être humain, je ne suis pas européenne moi-même, je viens d’une autre culture. Je suis née à Istanbul, j’ai été éduquée en Italie et en Suisse, mais ma langue maternelle est l’arménien. Avec l’éducation que j’ai reçu, je me suis européanisée, je suis de nationalité suisse et je me sens à 100% de culture occidentale, mais à l’intérieur de moi je suis arménienne. Donc ma culture personnelle s’appuie sur des racines très anciennes. Cela me permet de vivre en occident de façon équilibrée car je sais qui je suis, je n’ai pas de problèmes d’identité. Mon occidentalisation m’a permis de regarder ailleurs, au moment venu. C’est différent quand d’autres curateurs parlent des cultures non occidentales car ils n’ont rien en commun avec elles mise à part l’esthétique.

Quand j’étais au lycée, j’ai rencontré Harald Szeemann [historien d’art et curateur suisse du XXe siècle, N.d.R.] qui m’a beaucoup imprégné. En Suisse, un curateur est appelé Kunstmacher, c’est-à-dire celui qui fait de l’art. J’ai observé, appris par toute sa génération de curateurs qui d’ailleurs étaient autour des Documenta 5 dont Szeemann a été le directeur artistique. Ensuite, j’ai aussi beaucoup appris par les artistes conceptuels : au départ, je ne comprenais absolument rien de l’art conceptuel et je me suis dit que la meilleure manière de comprendre cet art était de travailler avec eux et regarder comment ils travaillaient. L’art conceptuel m’a appris à faire de l’art : pas tellement comment choisir, mais plutôt en termes de l’espace, de l’installation, de la relation avec l’œuvre etc. Chaque chose que j’ai faite a été une grande étape dans le chemin de l’apprentissage et c’est comme ça que je fais de l’art : j’apprends à chaque fois.

J’ai une manière de penser qui ne correspond pas aux curateurs d’aujourd’hui mais à l’idée de curateur per se. Quand j’étais à Grenoble, nous avons fondé l’école des curateurs et c’est cela que j’enseignais à mes élèves: le curateur doit tout d’abord travailler pour le public et après pour le privé.

Mais maintenant, évidemment, le curateur est au service du collectionneur, c’est un P.R. puisqu’il est obligé de chercher de l’argent, les fonds publics étant insuffisants. Et le public, aujourd’hui, ne s’intéresse ni aux politiques ni aux collectionneurs. Jeff Koons est un artiste qui me semble être au sommet de ce système. Effectivement, Jeff Koons a très bien étudié ce système parce qu’au départ, il était un stockbroker [agent de change] et il a compris qu’il pouvait transformer objet commun en œuvre d’art, comme un garçon peut en trouver dans l’habitation de sa mère. En voyant son œuvre, un homme aisé va se rappeler de son enfance et va l’acheter. Koons parvient à toucher les gens qui ont les moyens en s’appuyant sur leurs sentiments les plus intimes.

Mes artistes préférés sont toujours les derniers avec lesquels j’ai travaillé puisqu’ils sont ceux avec lesquels je suis en pleine mise en œuvre donc je les ai dans mon esprit. Mais à vrai dire, il y a des milliers d’artistes que j’aime. Et, de toute façon, je ressens une proximité artistique avec beaucoup d’artistes. En tout cas, un artiste qui m’a beaucoup marqué, c’est Rauschenberg. Il a été un très grand artiste, un inventeur, un homme qui allait à la rencontre des autres et qui a beaucoup voyagé à cette fin. Il disait toujours que la relation qu’il avait avec les gens lui ouvrait celle du monde. Il compte aussi parmi les premiers artistes que j’ai rencontrés. Quand j’étais à l’université à Genève, la galerie new-yorkaise Sonnabend y avait un siège et l’une des premières expositions que j’ai vue à l’âge adulte à été consacrée à Rauschenberg, et je l’ai rencontré au vernissage.

Pour répondre, je vais citer le poète James Baldwin : “Life is more important than art. But art makes life important” (La vie est plus importante que l’art, mais c’est l’art qui rend la vie importante). Ce qui est valable pour n’importe quel art – littérature, musique etc. – dans le sens où, pour moi, ce n’est pas tellement l’art qui est important, c’est la culture qui l’est car elle nous permet d’atteindre un niveau autre.

Les Documenta de Kassel semblent vouloir témoigner de la phase de transition et d’incertitude que l’humanité entière est en train de traverser. Mais à la fin de la visite, nous avons l’impression que les artistes n’auraient pas de solution à apporter pour avancer. Tout en menant votre enquête par rapport au phénomène de la diaspora culturelle, vous parvenez à vous focaliser sur des artistes qui dénoncent cette phase de transition et qui en même temps parviennent à livrer un message.

Le problème est qu’aujourd’hui, le public est arnaqué : personne ne s’y intéresse, tous les acteurs de l’art s’intéressent aux collectionneurs, aux sociétés, au glamour. On pourrait se dire que l’art est destiné à l’élite. Mais qui est cette élite ? Ce sont ceux qui ont de l’argent ? Oui, aujourd’hui ceux qui sont fortunés sont considérés comme une élite. Mais en réalité quel est le rôle de l’art ? C’est aussi d’essayer de rajouter quelque chose au quotidien, parce que l’art est quelque chose qui soigne l’intérieur, qui donne de l’espoir.

La Triennale que je viens d’organiser en Arménie a donné de l’espoir à une ville, Gyumri, où il y a 20 ans un tremblement de terre a tout détruit. Ils sont en train de remonter la pente mais ils n’ont pas d’espoir. Une dame est venue me voir et m’a dit “nous étions tristes, vous nous avez donné de la joie”. Tout ça n’existe plus en occident. Quand on se rend sur les Documenta ou les Biennales, nous ne tombons plus que sur une sorte de foire aux vanités qui ne sert qu’à complaire les collectionneurs et les curateurs se soumettent à cette logique.

Dans ce cadre-là, comment voulez-vous que les Documenta soient autre chose que ce que qu’ils sont ? Au fond Adam [Szymczyk, directeur artistique des Documenta 14] doit bien être conscient de tout ça. L’idée d’avoir deux sièges à Athènes et à Kassel est très juste. Mais Adam est polonais, il a derrière lui Tadeusz Kantor [peintre, scénographe et metteur en scène du XXe siècle] qui a été l’une des plus grandes personnalités de l’art, et qui a réalisé des expositions extraordinaires en termes d’œuvres et de performances. Mais la génération d’Adam qui vient après détient juste un exemple et non pas un vécu. Par exemple, pour Adam, le cabaret rentre dans l’idée de la performance là où celle-ci est bien autre chose. Pour revenir aux Documenta, je pense que c’est la faute des Allemands: qui choisit les commissaires ? Qui donne 37 millions d’euros à quelqu’un qui n’a pas suffisamment d’expérience ni du vécu ? J’ai visité le siège d’Athènes et je considère qu’Adam n’y a pas fait de la culture, mais du simple P.R. pour la Grèce et de ce fait, ils lui sont tous reconnaissants. Donc on revient au rôle du curateur P.R.

J’aime l’art, j’en fais avec amour. Il est évident que si tu fais de l’art pour donner du désespoir, tu ne le fais pas avec amour. Mon moteur principal est l’amour que j’ai pour l’art, je ne pourrais pas vivre sans cette passion. Donc pour moi, l’art et ma vie vont ensemble, je passe toute la journée là-dedans. Tout le reste, la “réalité”, me tue mais je dois faire avec. J’aime l’art et je veux partager cet amour avec les autres. Par conséquent, quand je monte une exposition, je fais de mon mieux pour l’artiste comme pour le public. Le reste c’est du blabla. Tous les curateurs n’aiment pas l’art : ils aiment le pouvoir, l’argent, la couleur, même leur goût personnel. Je ne sais pas d’où vient cet amour pour l’art. Ce sont les artistes qui ont remarqué ma dévotion pour l’art. C’est pourquoi, en dépit de toutes les années de travail et malgré mon âge, je peux encore faire des expositions fraîches.

Et donc le choix de créer des expositions telles qu’Arménité à la Biennale de Venise 2015 [récompensée par le Lion d’or], Aqua, Africa…

J’ai beaucoup appris grâce artistes Fluxus, qui étaient assez focalisés sur le hasard. On dit que le hasard est un choix de Dieu, ce qui implique que, puisque nous ne pouvons pas le contrôler, le hasard dans lequel chacun d’entre nous se trouve, vient d’ailleurs. Je n’ai jamais fait de choix de carrière. Quand j’ai une idée d’exposition, je me bats pour trouver les moyens pour la réaliser. Mais lorsqu’il s’agit des institutions, ce sont normalement elles qui me proposent des projets. Par exemple, je n’ai pas cherché à m’occuper du pavillon arménien à la Biennale de Venise, cela m’a été demandé. Et quand on me demande, pour moi, c’est du hasard.

Récemment, j’ai lu quelque part que pour avancer dans l’art, nous ne pouvons plus plus travailler dans son propre coin, il faut travailler ensemble. Parallèlement aux expositions, je m’occupe de la production de courts-métrages et de vidéos, ce qui m’a permis de constater que le réalisateur ne peut rien faire sans son équipe. Il y a des artistes, comme par exemple Damien Hirst, qui travaillent dans leurs ateliers, commissionnent des sculptures après en avoir tout simplement réalisé les dessins et les signent seuls. Cette mentalité individualiste et le côté servile des curateurs ne peut plus continuer car désormais, l’art est dans les mains de n’importe qui, de gens qui n’y comprennent rien et qui n’ont aucune sensibilité.

C’est pourquoi maintenant, comme dans les années 1960 et 1970, les artistes doivent travailler ensemble mais il ne faut pas que les directeurs des écoles dirigent les artistes. Le monde de l’art est en train de mourir à cause de la bureaucratie et des choix politiques des comités, des ignorants, etc. C’est à cause de ça que j’ai appelé la Triennale en Arménie “Le mont analogue” : j’ai été inspirée par le titre du livre de René Daumal qui parle d’un groupe de personnes qui cherchent ensemble le mont analogue et même s’ils ne parviennent pas à leur objectif, l’important est le fait d’avoir travaillé ensemble. Maintenant, un curateur de qualité doit savoir faire travailler les artistes ensemble. Parce que faire un one-man show c’est du bluff, c’est l’artiste qui est le curateur de sa propre exposition car c’est lui qui en décide.

Mon point de vue est assez drastique et je sais que plein de gens ne sont pas de mon avis. J’ai toujours été militante, pas de manière agressive mais je considère qu’à travers le langage de l’art, il y a la possibilité de dire certaines choses. Et aujourd’hui, il est difficile d’exprimer certaines idées à travers l’art, nous préférons montrer des choses faciles et douces. Encore aujourd’hui, nous pouvons trouver des artistes de qualité qui réalisent des œuvres magnifiques, mais souvent la manière de penser de l’artiste s’est déformée : comme il n’y a pas de moyen financier et puisque les prix de la logistique ont énormément augmenté, il raisonne comme un galeriste. Les banques et les collectionneurs ont beaucoup d’argent et ils ne tiennent pas compte de la position des musées et des institutions: ils ne peuvent pas dépenser autant. A contrario, les galeries et les musées de plus hauts niveaux peuvent, eux, soutenir des frais assez importants, mais comment les autres peuvent-ils faire ?

En Occident, plus du tout. Il faut se rendre dans des pays où ce n’est pas cher. Dans les foires, nous voyons des grandes installations, souvent de très belles choses, proposées par les galeries pour des raisons commerciales. Mais la question qui surgit est : hormis Beaubourg et la Tate Modern, quel est le musée qui, aujourd’hui, peut soutenir les frais de logistique qui vont avec ? Je viens d’une génération qui produisait beaucoup d’œuvres. Par exemple, le bateau de Barthélémy Toguo [l’un des artistes qui a participé à l’exposition “Africa”] a été produit par mon organisation, « Art of the World » au Brésil car en Europe cela aurait représenté un investissement trop onéreux. Les coûts sont gigantesques en Europe. C’est pourquoi beaucoup d’artistes ne parviennent pas à bien travailler en Europe.

C’est la poésie qui amène à une autre dimension.

Cet espoir vient aussi de l’interaction entre les couleurs, les objets. L’espoir ne peut pas être abstrait, c’est quelque chose de concret et de visuel. Quand nous voyons l’herbe verte, nous avons déjà plus d’espoir que si nous voyons la terre grise. C’est pourquoi, l’esthétique peut jouer un rôle dans l’espoir si derrière il y a du sens. Je crois que les Documenta de cette année sont ratées aussi parce qu’il n’y a rien de joyeux là où dans les éditions précédentes, il y avait des éléments joyeux malgré les problématiques terribles qui y étaient traitées. René Daumal dit que « Si tu n’arrives pas à avoir de l’espoir à travers ce que tu fais, ça ne vaut plus la peine de vivre ». Il est clair qu’il ne faut pas être naïf, souvent les gens prennent ce genre de propos comme une sottise mais en fin de compte nous avons tous besoin d’espoir.